ACTIVIDAD 4

 

Nombre: Melisa Hernández Domínguez	Matrícula: 2935730
Nombre del curso: Arte y cultura	Nombre del profesor: Itzel Virginia Aguilar Metzger
Fecha: 28/03/2021	Módulo: 2
Bibliografía   (s.f.). https://www.culturagenial.com/es/caracteristicas-del-renacimiento/. (s.f.). https://www.todocuadros.com.mx/estilos-arte/renacimiento/. (s.f.). https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci/. (s.f.). https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/el-greco/b031da57-6a7e-43f2-a855-293275efc340. (s.f.). https://www.todocuadros.com.mx/pintores-famosos/durero/. (s.f.). https://www.arquitecturapura.com/manierismo/. (s.f.). https://www.savinarte.com/2019/04/04/10-obras-mas-destacadas-del-manierismo/. (s.f.). https://historia-arte.com/movimientos/manierismo. (s.f.). https://www.euston96.com/manierismo/. (s.f.). https://es.slideshare.net/Argenito/el-manierismo-sus-exponentes-y-obras. (s.f.). https://www.artehistoria.com/es/obra/nacimiento-de-venus-2#:~:text=El%20Nacimiento%20de%20Venus%20es,de%20ocio%20en%20el%20campo.&text=Venus%20es%20la%20diosa%20del,Cronos%20y%20arrojados%20al%20mar. (s.f.). http://lidia98rg.blogspot.com/2016/02/el-nacimiento-de-venus.html#:~:text=La%20t%C3%A9cnica%2C%20como%20corresponde%20a,le%20permite%20trabajar%20el%20detallismo.&text=La%20luz%20es%20cenital%20y,oscura%20y%20llena%20de%20sombras. (s.f.). https://www.culturagenial.com/es/cuadro-el-nacimiento-de-venus/. (s.f.). https://cursos.tecmilenio.mx/courses/53046/pages/mi-curso?module_item_id=205713.

 

 

Actividad 4

1.    Investiga sobre el Renacimiento y el Manierismo.

 

Renacimiento

 

El Renacimiento fue un período de la historia que se gestó desde el fin de la Peste Negra a mediados del siglo XIV y abarcó hasta la primera mitad del siglo XVI. Algunas caracterices e información relevante sobre este periodo fue lo siguiente

Antropocentrismo y humanismo: El Renacimiento se define como un período antropocéntrico. Este humanismo derivó del humanismo teológico de finales de la Edad Media, que permitió la valoración del ser humano como criatura predilecta de Dios, dejando las puertas abiertas para la nueva perspectiva del Renacimiento.

Valoración del pensamiento racional: El pensamiento racional se vuelve una herramienta para el descubrimiento del mundo, la naturaleza y el hombre.

Estudio de la naturaleza en las artes: La curiosidad se expresó con especial énfasis en el estudio de la naturaleza, que implicaba retirar el velo de misterio que el medioevo interponía. Las artes se vieron tocadas por este espíritu, que derivó en el perfeccionamiento del naturalismo, es decir, en el principio de imitación de la naturaleza característico del arte occidental .

Con el Renacimiento apareció un nuevo ideal de persona al que se llamaba «gentil-hombre».

Surgimiento de la usura y del sistema bancario moderno:  En la transición de la Baja Edad Media al Renacimiento surgió la clase de los prestamistas y usureros y, con ellos, aparecieron los primeros bancos modernos.

Florecimiento artístico y literario: El Renacimiento fue, ante todo, una época de gran florecimiento cultural bajo esquemas de mayor libertad compositiva, estética y, sobre todo, temática. A lo largo de este período, hubo un gran desarrollo de diversas artes como la literatura, la arquitectura, la escultura y la pintura.

 

Manierismo

 

En término de arte, el manierismo se refiere al saber hacer y todo lo que lo engloba, sin necesidad de esforzarse en gran manera de lograrlo. Por lo general es un arte que se le dedico a las cortes ya que a pesar de todo mantenía una cierta sofisticación aun sin cuidar ciertos detalles que se mantenían en corrientes artísticas anteriores. Se le considera como un proceso transitorio entre el renacimiento cuando estaba llegando a la crisis y la apertura del barroco.

 

El manierismo se empieza a formar de los elementos básicos del renacimiento, cuando este empezaba a enfrentar la crisis.

 

Dentro de las características principales que definen al manierismo se encuentran:

 

      El manierismo es subjetivo e inestable, por lo que en algunos puntos llega confundir.

      Los artistas se dejan llevar por sus gustos, dejando de lado lo verosímil y tendiendo en gran manera a la irrealidad y a la abstracción

      Se prefiere, en escultura, sobre todo, la línea o figura serpentina. En términos más técnicos se refiere en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.

      Durante estos periodos fueron en los que se inspiraron los grandes de la literatura como Miguel de Cervantes y Shakespeare.

 

2.    Reúnanse en equipos y realicen un crucigrama con los elementos, personajes y características relevantes del Renacimiento y el Manierismo, consideren al menos 20.

 

 

 

 

 

 

 

3.    Realicen una visita virtual de Uffizzi Galery e identifica obras de arte del Renacimiento.

En Uffizi Galery existen muchas secciones en las que se encuentran una gran variedad de piezas y obras artísticas, en los siguientes renglones se explicaran con detalle algunas obras importantes y su ubicación en dicha galería:

 

Sala 2 – Pinturas del Siglo XIII y XIV. Aquí se encuentran exhibidas las tres Maestà (Majestad en español) de Cimbaue, Duccio de Buonisegna y Giotto. El título Maestà viene atribuido a la representación de la Virgen sentada en el trono con el niño y rodeada de Ángeles y Santos. La técnica usada es al temple o tempera sobre madera con fondo de hojas de oro. Comparando las tres obras se observa el cambio de estilo que se dio en Italia al final del siglo XVIII. De hecho mientras en el siglo XI al XIII la escultura y la arquitectura habían ya encontrado un lenguaje original en Europa occidental con el estilo románico y gótico, la pintura permaneció todavía muy dependiente del estilo greco bizantino como se puede ver en la Maestà de Cimbaue del 1280-1290. Una representación más natural del mismo tema se ve en la opera de Duccio, dibujada en 1285, pero es con Giotto que inicia la nueva pintura. Estos, a la par de su contemporáneo Dante Alighieri, no hablan griego o latino sino italiano, sus figuras son colocadas en un espacio tridimensional, adquiriendo concretización corporal y sabiendo revelar los sentimientos a través de las expresiones faciales y gestuales. Si observas ésta Maestà de Giotto de 1310, la figura de la Virgen muestra por primera vez la silueta de su cuerpo bajo la ropa.

 

Salas 5 y 6 – Gótico Internacional. Donde las obras destacan por su elegancia.
La Adoración de los Reyes magos de Gentile da Fabriano, firmada y fechada en 1423. Esta obra se puede tomar como ejemplo de la transición del gótico cortesano al renacimiento: conserva el carácter Gótico en la representación de los trajes suntuosos y en la riqueza de los marcos y fondos dorados, se aproxima al renacimiento por la composición de la estructura y la narración de la historia. En ésta no existe la subdivisión de las figuras en los paneles como en los trípticos y polípticos si no que toda la historia está representada en la misma escena, que inicia en lo alto con los tres Reyes Magos que ven la estrella fugaz y que después siguen viajando a través de Jerusalén hasta Belén. En la escena de la predela, el pintor abandona el fondo dorado y adopta la representación del cielo atmosférico, que unido a la perspectiva es uno de los nuevos elementos de la pintura renacentista.

 

Sala 7 – Las obras de arte de esta sala están dedicadas a los inicios del Renacimiento, están presentes todos los elementos que caracterizan el nuevo arte: la representación del espacio tridimensional obtenido con la perspectiva, como se puede ver en el gran retablo de la Batalla de San Romano (1438-1440) de Paolo Uccello, el estudio de la luz natural que crea un bello efecto en el Retablo de Santa Lucia de Magnoli (aprox. 1440) de Domenico Veneziano, la centralidad del hombre y el estudio de la anatomía que viene representada en manera exponencial en la Virgen con el Niño y Santa Anna de Masaccio y Masolino (aprox. 1425). El redescubrimiento de las obras de los filósofos y de los escritores antiguos, que ya en el siglo XIV habían dado origen a los estudios humanísticos de Francisco Petrarca y Giovanni Boccaccio, se une en el siglo XV en Florencia el estudio del arte antiguo, renovando así la pintura, los primeros protagonistas Filipo Brunelleschi, Donatello, Masaccio, Lorenzo Ghiberti y Luca de Robbia.

 

Sala 8 – La célebre Virgen con el Niño y dos ángeles (1465) de Filippo Lippi, ahora conservada en esta sala probablemente procedente del Palacio Medici, es el ejemplo más famoso de la representación de este tema en la tradición de Florencia del siglo XIV. Las Vírgenes de Filippo Lippi, pintor admirado por Cosimo el Vecchio y Piero de’ Medici, son caracterizadas por una extraordinaria expresión de gracia, delicadeza y dulzura.

Los Duques de Urbino de Piero della Francesca (1465-1472) es una obra maestra en el género del auto retrato, que tuvo grande importancia en el Renacimiento. Federigo de Montefeltro y Battista Sforza son representados de perfil, como en las medallas antiguas que representaban la efigie de los Cesares, pero las caras no son idealizadas, es a través de los rasgos característicos y reales de su fisonomía, que aparece la personalidad de estos dos esposos: la duquesa intelectual y elegante con su amplia frente, el duque imperioso y astuto, con su famosa grande nariz que expresa toda la autoridad. Los dos retratos tienen como fondo un bellísimo paisaje, donde el cielo se esfuma en la tierra a lo largo del horizonte. Estos elementos fueron fundamentales para el desarrollo de la pintura en el siglo XV y en particular para Leonardo da Vinci y Rafael.

 

Salas 10/14 – Esta sala contiene las obras maestras que hacen que la Galería Uffizi sea famosa en todo el mundo: El nacimiento de Venus (Venere en italiano) y La Primavera de Sandro Botticelli, la expresión más grande de la cultura humanística Florentina inspirada en el Renacimiento pagano. Fueron hechas para la familia Medici que sabía apreciar la belleza del arte antiguo y moderno, creando así una maravillosa unión entre dinero y belleza.

Sala 15 – Leonardo da Vinci es el protagonista de esta sala donde se admiran dos de sus obras iniciales: el Bautismo de Cristo y la Anunciación. La primera es famosa porque es la primera pintura del genial artista. De hecho la mayor parte de sus obras fueron dibujadas por Andrea de Verrocchio, de quien Leonardo fue aprendiz, en esta se logra ver la mano de Leonardo pintando solo el ángel figurado de espaldas, que lo supo representar con una flexibilidad y gracia del todo diferente a las otras figuras rígidas del maestro. La Anunciación (1472) a diferencia de la primera fue dibujada totalmente por Leonardo, realizada a sus veinte años de edad, nos muestra en ésta obra una probadita de su famoso “esfumado” en el paisaje posterior.

 

Sala 35 – Es la sala dedicada al Tondo Doni de Miguel Ángel, es la única pintura a tempere sobre madera, atribuida con toda certeza al artista. El tema es la sagrada familia y fue solicitada por Agnolo Doni y Magdalena Strozzi en 1506. La obra se realizó entre la ejecución de la estatua de David (terminada en 1504) y los frescos de la Capilla Sixtina, iniciados por Miguel Ángel en Roma en mayo de 1508. El marco es original y fue tallado en el taller de Del Tasso diseñado por el propio Miguel Ángel.

Para completar el trio de los pintores italianos más importantes del siglo XVI necesitas bajar al primer piso.

 

Sala 66 – Está dedicada a las obras de Rafael de Urbino, del que se conservan más de 20 cuadros, la mayor colección en el mundo dividida entre, la Galería Uffizi y el Palacio Pitti. En el tiempo que Miguel Ángel dibujaba el Tondo Doni, Rafael en Florencia dibujaba la Virgen del jilguero (Madonna del cardellino en italiano). Se trata de una pintura realizada en su juventud, en donde se puede apreciar la influencia de Perugino pero, que también muestra la influencia de las obras de Leonardo da Vinci, el maestro al que Rafael había venido a estudiar en su visita a Florencia de 1504 hasta 1508. La obra resultó severamente dañada debido a un terremoto en 1547, ésta se encontró en pedazos bajo los escombros de la casa de Lorenzo Nasi. En el transcurso de los años sucesivos, sufrió importantes restauraciones que no permitían admirar su belleza, pero gracias a la última restauración que duró 10 años podemos apreciar la poética belleza que ha adquirido el día de hoy.

En el siguiente periodo romano y exactamente en 1518 surge el Retrato del Papa Leone X con los cardenales Giulio de Medici y Luigi de Rossi, donde el estilo de Sanzio adquirió esa grandeza y esa perfección que hicieron de él, el maestro de los pintores de la corriente “clásica” hasta el siglo XIX.

 

Sala 83 – Aquí una nueva representación de la diosa del amor que se ofrece a la admiración de los visitantes: es la Venus de Urbino (Venere di Urbino en italiano) de Tiziano, el mayor representante de la escuela veneciana del siglo XVI. El elemento más importante para Tiziano no era el diseño, considerado usualmente la base de cada expresión artística, si no el color, como lo sería 300 años después para los impresionistas. La Venus de Tiziano está hecha de carne y no se parece en nada a la de Botticelli, que en cambio parece una estatua griega, divina e inmortal.

 

Sala 90 – El itinerario se concluye en esta sala dedicada a Caravaggio, el genio “maldito” que en el inicio del siglo XVI renovó profundamente la pintura no solo en Italia sino también en Europa. Los elementos que caracterizan el Caravaggismo son, el realismo con el cual vienen descritos los pequeños detalles y el contraste entre la luz y las tinieblas. Este último no es solamente un efecto de gran sugestión sino que tiene también un significado simbólico: la luz es la gracia, las tiniebla es el pecado y la desesperación. Este era el reflejo de lo que sucedia en la vida del pintor, que el genio en el arte unió los excesos de la vida. Las obras conservadas en la Galería Uffizi son de las primeras realizadas por el artista y este aspecto todavía no estaba muy desarrollado, pero no se puede pasar por desapercibida la terrible mirada de la Medusa que resalta como viva en el fondo oscuro del escudo, o el crudo realismo de la mano de Abraham que está por matar al hijo en el Sacrificio de Isaac, o la perfecta presentación de los particulares en el lascivo Baco.

 

 

4.    Selecciona una, investiga sobre la obra de manera individual con la imagen de una obra de Uffizzi Galery realiza la siguiente ficha Técnica

 

Ficha Técnica

 

Título de la Obra	Nacimiento de Venus
Autor	Botticelli Di Mariano Filipepi Alessand
País	Florencia
Periodo	Renacimiento, Renacimiento italiano, Escuela florentina, Primer renacimiento
Tema	El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte.
Técnica	La técnica, como corresponde a la pintura renacentista, es temple sobre lienzo, lo que le permite trabajar el detallismo.
Material	Pintura al temple
Tamaño Original	1,72 m x 2,78 m
Valoración histórica	“El nacimiento de Venus” o “La nascita di Venere” fue pintado en el Alto Renacimiento entre 1482 y 1485 por el pintor italiano Sandro Botticelli. Junto a “La primavera”, otra de sus obras reconocidas, se expuso por primera vez al público en la galería de los Uffizi en Florencia en 1815. Las cualidades estilísticas que posee la hacen muy distintiva pero lo que representó en su momento también fue muy importante. Es una pintura icónica que hoy en día mantiene una importante influencia en el arte y la cultura contemporánea. Este cuadro es famoso por atreverse romper las barreras de la censura y prejuicios de la época con el primer desnudo de cuerpo completo en más un milenio desde las obras de arte clásico grecorromano de alrededor del 400 DC. Gracias al poder social de la familia Médici (los que encargaron la pintura), la obra no fue censurada por la iglesia luego de ser finalizada.
Simbología	Botticelli recibió de Lorenzo Pierfrancesco de Médicis el encargo de representar la historia del nacimiento de esta diosa pagana, deidad que encuentra sus equivalentes en la diosa egipcia Isis o Iemanjá en Umbanda, entre otras. La escena del lienzo de Botticelli se inspira en esta figura. Las obras que pudieron servir de referencia a Sandro Botticelli en El nacimiento de Venus son variadas, aunque existen controversias entre los expertos. Estas son: el poema de Angelo Poliziano (1454 - 1494), un protegido de Lorenzo de Medici; el himno de Homero (1488) publicado por Demetrio Calcocondilas (1423 - 1511); la obra La metamorfosis, escrita por el poeta romano Ovidio (43 a.C. - 17/18 d.C.), la cual describe los mitos griegos de la creación del mundo desde los elementos hasta la mutación de los dioses en mortales.
Iconología	La iconología de la obra está relacionada pues con el neoplatonismo y la formulación por Marsilio Ficino de un concepto idealizado del amor donde la figura de Venus se desdobla en dos versiones complementarias, la Venus celeste y la Venus terrenal, que simbolizan el amor espiritual y el amor material,
Historia del cuadro	El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte. Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura magnífica, aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas.
En caso de que el cuadro incluya personajes ¿Qué significan?	Venus: la delicadeza con la que las caderas se ladean hacia la derecha reafirma su feminidad de marfil —porque, en efecto, sorprende la blancura de los músculos, que el artista realza con certeza—, y la soltura de la cabellera encendida acentúa la ligereza candente con la que la diosa del amor extiende su influencia. Sin embargo, no puede dejar de resaltarse su expresión: es de una pasividad extraña, que no se alcanza a descifrar del todo. Tiene una sonrisa que todavía no termina de hacerse, y su mirada parece derretirse en un espectador incierto, que la hipnotiza —o al que hipnotiza: no puede saberse.
Ubicación actual de la Obra	Galería de los Uffizi
Tu percepción positiva del cuadro	Me parece un cuadro bastante hermoso, los colores juegan entre si creando un contraste agradable para la vista, además el autor de la obra se encargó de retratar y definir cada detalle de los personajes que se ven en ellas, lo que más me llamo la atención fue el hecho de que el autor pudiera pintar de una forma excepcional la figura anatómica de la diosa Venus, que se encuentra en el centro.